16 de Diciembre: Anacrusa

Anacrusa, en música hace referencia a la nota o grupo de notas sin acento que preceden al primer tiempo fuerte de una frase, por lo tanto va colocado antes de la barra de compás.

La anacrusa es un término musical que implica el comienzo de una pieza o frase musical antes del primer tiempo fuerte del compás en el que esté escrita. Del mismo modo, se puede utilizar esta palabra hablando del compás que contiene la nota o el conjunto de las mismas que preceden a la barra de compás.
En una analogía con el idioma castellano, si la palabra "anaCRUsa" fuera usada como letra de una canción, su sílaba acentuada (la tercera) se utilizaría en el primer tiempo de un compás. Consecuentemente, "a-na" resulta ser la "Anacrusa" de "a-na-CRU-sa". De este modo se forma anacrusa cuando en un verso hay sílabas precedentes a la primera tónica. Ejemplo, en tiempo 4/4:

 
 
 


10 de Diciembre: Coreografia "GIMME HOPE"

El profesor nos puso la canción de GIMME HOPE de Eddy Grant y nos pidió que escuchándola un par de veces creásemos una coreografía.

Eddy Grant creció escuchando estilos de música indocaribeños. Cuando tenía 12 años, en el 1960, su familia emigró a Londres. Ahí, empezó a escuchar otro tipo de música como el rock, el R&B o el blues. A los 17 años Eddy Grant formo su primer grupo: The Equals (los Iguales). El grupo estaba formado por Eddy Grant a la guitarra, los hermanos jamaicanos Lincoln (voz) y Derv Gordon (guitarra) y los ingleses Patrick Lloyd (bajo) y john Hall (batería). The Equals fueron de la banda de música multiracial más importantes del Reino Unido en esos tiempos. En el 1967 firmaron un contrato con la discográfica President Records y en ese mismo año sacaron su primer single, "I Won't Be There" perteneciente al álbum "Unequaled Equals". Este álbum entró en el Top 10 de álbumes en el Reino Unido. Un año después grabaron "I get so excited". Esta canción fue un éxito y entró en el Top 50. Su segundo álbum, "Equals explossion" no tuvo el éxito esperado en el R.U. aunque en Alemania y después en el resto de Europa una de las canciones del disco ("Hold me closer") alcanzó los primeros puestos de muchas listas. Y después del éxito en Europa volvió a Inglaterra donde fue el número 1 de las listas. Su tercer álbum "Sensational Equals" no entró ni en el Top 50, siendo esto todo un fracaso. En 1969 tuviero otro éxito con el single "Viva Bobby Joe". Un año después Eddy Grant formo su propia discográfica: Torpedo. Su primer single en solitario fue "Let's Do It Together". No habiendo abandonado todavía el grupo, The Equals grabaron "Black Skinned Blue Eyed Boys" alcanzando este el Top 10. Y, en 1971, ocurrió lo inesperado, Eddy Grant sufrió un ataque al corazón debido a su agitado horario.

En 1988 lanzo "File Under Rock" y en 1990 apareció "Barefoot Soldier". Obtuvo su último Top 10 en las listas británicas con "Gimme Hope Jo'anna" perteneciente al último disco. Esta canción tiene un importante mensaje político criticando el Apartheid de Sudáfrica. Un extracto de la canción dice:

Jo'anna dirige un país, lo dirige en Durban y en Transvaal, hace que unos cuantos estén felices, pero no se preocupa del resto. Tiene un sistema al que llama Apartheid, somete a un hermano, pero posiblemente la presión haga ver a Jo'anna como todos podemos vivir como uno solo.



La estructura de la canción es:
A
B
ESTRIBILLO
A
B
ESTRIBILLO
A
B
ESTRIBILLO

Este fue el resultado.

9 de Diciembre: LINDY HOPS

El Lindy Hop es un estilo de baile popularizado en Nueva York por bailarines afro-americanos en una sala de baile llamada Savoy Ballroom.

A mediados de la década de 1920 los bailarines del Savoy bailaban el estilo Charlestón, incorporando elementos de otros estilos como el «Texas Tommy», el «Black Bottom» y el «Cakewalk». El Lindy Hop nació cuando estos bailarines empezaron a incorporar posiciones abiertas intercalándolas con las tradicionales posiciones cerradas. Esta apertura de posición es en lo que se conoce como «Whip» o «Swing Out».

Se dice que el nombre «Lindy Hop» surgió en 1927 en el Savoy Ballroom durante un concurso de baile en conmemoración al famoso vuelo de Charles Lindbergh a través del Océano Atlántico. Lindy sería el diminutivo de Lindbergh y hop (salto, en Inglés), haría referencia al "salto" de una costa a otra del Océano.

El Lindy Hop se extendió por todos los EE.UU., la edición de la revista Life del 23 de agosto de 1943, declaraba el Lindy Hop como "baile nacional". Con el tiempo, el Lindy Hop evolucionó en una variedad de estilos de swing, como West Coast, Jive, Boogie Woogie, Balboa, Wendy, etc.
Técnicamente, tiene un paso básico de 8 tiempos y se define a partir de su patrón básico de «swing out» o «whip». En estos patrones básicos, la estructura de baile tiene forma rectangular y alargada y los bailarines giran simultáneamente sobre un eje central. Este eje tiende a permanecer en el mismo sitio en lugar de moverse sobre la pista.

Comenzamos la clase trabajando:
  • El cambio de foco.
  • El muelle.
  • El bounching: bailar dando saltitos hacia abajo. Siempre tiene que haber un pie en el suelo.
  • El boto: bailar dando saltitos hacia arriba. No tiene porque haber ningun pie en el suelo.
 El LINDY HOPS, admite pasos de baile del Roch and Roll y tiene musica Swin.



Tambien podemos observar este tipo de baile en la pelicula "REBELDES DEL SWING"

3 de Diciembre: Repaso de danzas y bailes II

El profesor nos da algún consejo antes de comenzar a bailar:
  • Hay que bailar con "tu peor enemigo", ya que siempre guardaras las distancias y mantendrás firmes los brazos.
Repasamos el SWIN, la SALSA y el VALS.



2 de Diciembre: Repaso de danzas y bailes I


Realizamos un breve repaso de algunos bailes como el SWIN o el CHACHACHÁ.
  • Primero comenzamos a repasarlo en circulo.
  • Después bailamos solos.
  • Para finalizar bailamos por parejas.

    26 de Noviembre: Tipos de compases y VALS.

    TIPOS DE COMPASES:

    • Binarios: 2/negras o 4/negras. Lo encontramos en casi todas las canciones actuales.
    • Ternarios: 3/negras. Lo encontramos en Valses, Jotas o las Sevillanas.
    Para trabajar los Ternarios, utilizamos una de las canciones de Juan Perro "Duerme Zagal".


    Su estructura de esta canción es: 
    • Introducción: ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩ /
    • Estrofa: ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩/♩♩♩♩♩♩
    • Coda: ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩ / ♩♩♩♩♩♩/
    También observamos que las "Nanas" y la canción de "Feliz feliz en tu día", son TERNARIAS. 


    Para finalizar la clase bailamos VALS.
    Comenzamos bailando en un gran circulo los pasos básicos de este, para después bailar por parejas.

    19 de Noviembre: TANGO II.

    TANGO II.
    Tras la clase anterior hacemos un breve repaso de los pasos básicos y comenzamos con nuevos pasos.
    • Dibujar 8 en el suelo.
    • Gancho de piernas.
    • Dibujar territorio.
    • Trabar el pie.



    Un buen ejemplo es la película "Tango", en ella aparecen escenas en las cuales bailan Tango poniendo en practica todo lo dado en las dos sesiones.

    18 de Noviembre: TANGO I.

    TANGO.
    El tango es un género musical y una danza, característica de la región del Río de la Plata y su zona de influencia, principalmente de las ciudades de Buenos Aires en Argentina y Montevideo en Uruguay. Nacido a fines del siglo XIX de la fusión cultural de las comunidades afro-rioplatenses, con la cultura gauchesca, indígena, hispana, italiana y la enorme diversidad étnica de la gran ola inmigratoria llegada principalmente de Europa y el Oriente medio, se convirtió en un género de naturaleza global a partir de la segunda década del siglo XX. Desde entonces se ha mantenido como uno de los géneros musicales internacionales más potentes del mundo.
    El tango revolucionó el baile popular introduciendo una danza sensual con pareja abrazada que propone una profunda relación emocional de cada persona con su propio cuerpo y de los cuerpos de los bailarines entre sí. Refiriéndose a esa relación, Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos poetas, definió al tango como «un pensamiento triste que se baila».
    Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). Su interpretación puede llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, con una preponderancia clásica de la orquesta y del sexteto de dos bandoneones, dos violines, piano y contrabajo. Sin ser excluyente, el bandoneón ocupa un lugar central.
    Muchas de las letras de sus canciones están escritas en un argot local rioplatense llamado lunfardo y suelen expresar las emociones y tristezas que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, especialmente «en las cosas del amor».
     En 2009, a petición de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, la UNESCO lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad (PCI).

    Comenzamos la clase escuchando a Adrian Iaies en "Boedo".



    Tras escucharlo nos colocamos en un circulo y el profesor nos fue marcando los pasos básicos del Tango. Primero comenzamos a hacerlo individualmente y después por parejas.

    12 de Noviembre: Cambio de Foco.

    MÚSICA ACUÁTICA DE HAENDEL.
    La Música acuática de Haendel es una composición justamente tenida como camaleónica. Ni se ha llegado a precisar las circunstancias cronológicas exactas (sí en cambio las de su finalidad) no la propia configuración instrumental y formal. De las tres suites —partitura con número variable de movimientos— en que se ha organizado el amplio material disponible, se han extraído en diversas ocasiones series de piezas para constituir nuevas suites. De todos los arreglos —o desarreglos, según se mire— practicados —los actuales “historicistas” los describirían como perpretados—, sin duda es el de Herbert Hamilton Harty aquel que con mayor coherencia encierra la música haendeliana dentro del ropaje pomposo y un punto forzado de la Inglaterra postvictoriana. No hay en esta consideración asomo alguno de descalificación peyorativa, puesto que somos conscientes de la polisemia del lenguaje musical, y más específicamente del barroco, tanto por su intención expresiva como por su misma articulación sonora, tímbrica. No hay que negar a la adaptación de Harty la eficacia con que ha preservado la esencia festiva de la composición original. Ello sin olvidar el placer que puede proporcionarnos una interpretación de esta música alejada de inhibiciones o premeditaciones de índole purista, en un mundo en el que la imperfecta sonoridad de los instrumentos —originales o copias— utilizados por los grupos “historicistas” amenaza con desvirtuar estas músicas, al menos tanto como lo hicieron los criterios interpretativos “románticos”.

    En la Nueva Edición Haendel (1968) aparece Música acuática como un conjunto de tres suites —en fa mayor, HWV 348; en re mayor, HWV 349, y en sol mayor, HWV 350— que se supone fueron compuestas con destino a tres fiestas reales sobre el Támesis, en 1715, 1717 y 1736. De esas tres ocasiones, la de 1717 (17 de julio) viene documentada tanto por el artículo aparecido en el Daíly Courant (19 de julio) como por la descripción enviada por el embajador de Prusia, Fríedrich Bonnet.



    CAMBIO DE FOCO.

    Para poder observar bien los cambios de foco podemos observar vídeos de patinaje artístico.



    Otros cambio de Foco que podemos observar en la película de "Billy Elliot", en una de las escenas donde sale bailando con la profesora.



    5 de Noviembre: Danza de Corelli I.

    PIERRE BEAUCHAMP

    Pierre Beauchamp (París, 30 de octubre de 1631 — París, febrero de 1705), fue un coreógrafo y bailarín francés, probablemente el inventor de la notación Beauchamp-Feuillet. Fue nombrado director de la «Académie Royale de Danse» en 1671 (aunque no era un miembro fundador de la Academia como con frecuencia se afirma). Fue el coreógrafo principal de la compañía de Molière (la «Troupe du Roy») durante 1664-73; además fue maestro de ballet en la «Académie Royale de Musique» y «Compositeur des Ballets du Roi». En estos puestos fue muy influyente y una de las más grandes figuras de la «belle danse» francesa del siglo XVII, la danza barroca.



    Tras ver vídeos y analizar la danza de Corelli, nos pusimos a crear una danza para una de las sinfonías de este.

    4 de Noviembre: Danza de Corelli II.

     ELGAR Y CORELLY.
    Comenzamos la clase con las audiciones "Pomp and circunstance" y "Variaciones enigma" de Elgar.
     


    El profesor nos pide que mirásemos también a Arcangelo Corelli.

    Compositor italiano. Siendo muy joven se trasladó a Bolonia, ciudad en la cual estudió violín con destacados maestros, entre quienes despertó un gran interés debido a sus aptitudes. En 1675 pasó a Roma, e inmediatamente ganó cierta notoriedad, lo que le valió ser recibido por la reina Cristina de Suecia y entrar al servicio del cardenal Pietro Ottoboni.

    Se dedicó a la dirección musical y a la composición, creando una obra escasa pero de gran valor e influencia en la historia de la música. Su obra es, en cierto modo, insólita para la época, pues dedicó sus esfuerzos exclusivamente a la música instrumental, con preferencia al violín, obviando la música dramática. Corelli fue el primer compositor que alcanzó la fama musical sin dedicarse a la música cantada.

    En 1681 publicó su primera colección de sonatas en forma de trío, destinadas a tocarse en iglesia, al igual que la tercera (1689); la segunda (1685) y la cuarta (1694) fueron compuestas para cámara. Publicó así mismo una colección de sonatas para violín y bajo (1700), y finalmente sus célebres concerti grossi, publicados póstumamente en 1714. Su obra alcanza la madurez del estilo barroco italiano, con la culminación del concerto grosso y la composición de la forma sonata preclásica, que tan importante iba a ser a lo largo del siglo XVIII.
    Al mismo tiempo, su desarrollo técnico del violín convirtió sus composiciones en el fundamento de la escuela violinística clásica, que hoy día mantiene aún su vigencia pedagógica. Corelli murió en la cumbre de la fama, y fue inhumado en el Panteón de Roma.

    DANZA DE CORELLI
    Tras escuchar la danza de Corelli analizamos su velocidad y su forma.

    • Velocidad: ♩= 60-62  
    • Forma:

    Para acabar la clase jugamos al juego de las sillas pero modificado.
    Colocamos 4 sillas diferentes, en este caso de color verde y el resto taburetes en circulo. Al sonido de la música debíamos andar al rededor de estas y al pararse sentarnos. Las sillas verdes tenían trampa, ya que los que se sentasen en ellas primero tenían que andar a la pata coja en la siguiente vuelta, después debían de ir dando palmadas, debían andar desde dentro del circulo... y el que se quedaba sin silla era eliminado.
    Así sucesivamente se fueron quitando las sillas rojas hasta que solo quedó 1 y después quitamos las verdes, hasta que gano uno.

    28 de Octubre: Mimo y relajacion.

    EL MIMO

    Comenzamos la clase con ejercicios de MIMO.
    Uno por uno pensó una frase y después la represento ante toda la clase. El profesor nos fue preguntando lo que habíamos entendido y ver si lo habíamos representado correctamente para hacernos entender.

    Algunos ejemplos:

    Para hacer de mimo hay que hacer las cosas lentas y exagerando los gestos. Un buen ejemplo de Mimo es Marcel Marceau o Charlie Chaplin.







    RELAJACIÓN
    Dividimos al grupo en dos. La mitad del grupo se sentó en las sillas que están colocadas en un circulo y la otra mitad se colocó por fuera de este.
    Los que estaban sentados debían cerrar los ojos y no abrirlos durante el transcurso de la actividad, salvo que se agoviasen.

    Comenzó a sonar una música tranquila y relajante. Al mismo tiempo los que están fuera del circulo comenzaron a andar en circulo al rededor de sus compañeros en un silencio absoluto.

    Cuando el profesor indicaba con gestos detenian el paso y se colocaban detrás de algún compañero, al cual masajeaban y acariciaban suavemente la cabeza y la espalda. Tras unos minutos reanudaron el paso y así sucesivamente hasta que la música se acabe.

    Una vez terminada la música, se permanecerá en silencio hasta que los compañeros que estaban sentados van abriendo los ojos tranquilamente.

    Una vez acabado el ejercicio se les pidió que mostrasen sus inquietudes, miedos, sensaciones...

    VARIANTES
    • Una vez terminado el primer grupo, cambiaran la posición y se repetirá el ejercicio.
    • Se puede utilizar incienso, velas, bajar las persianas para crear un clima relajado...

    IMPORTANTE
    La música que se utilice no debe ser conocida ya que puede desconcentrar. Y a poder ser que no tenga una batería, sino que tenga instrumentos que mantengan el ritmo y la melodía.

    21 de Octubre: Danzas.

    En esta sesión lo dedicamos a hablar de la existencia de danzas binarias y ternarias.
    • BINARIAS (a2): Paso ♫. Como la marcha nupcial de Bagner o danzas en pasillo como el pasemisi.
    • TERNARIAS (a3): Salto ♫. Como la polca. En estas cada 8 compases cambia la música.
       1-2-3-4-5-6-7-8, 1-2-3-4-5-6-7-8...

    Después nos dividimos en dos grupos y diseñamos una coreografía con pasos sencillos con la canción de Mariza "Meu Fado Meu".

    7 de Octubre: Ejercicios de pies y manos.

    EJERCICIOS DE PIES.
    Comenzamos la clase haciendo percusión con los pies.
    Realizamos secuencias numéricas intercalando un pie u otro. Dando mas intensidad al golpe nº 1.

    Después realizamos secuencias numéricas dando golpecitos con las puntas o los talones. Primero comenzamos realizando las secuencias numéricas con las puntas y después lo repetimos con los talones.

    EJERCICIOS DE MANOS.
    Comenzamos haciendo secuencias numéricas de percusión con las manos, dando golpecitos con estas en los muslos y dando mas intensidad al golpecito nº1.


    Después realizamos lo mismo pero en el ultimo numero de la secuencia (6 o 4) la mano izquierda da encima de la derecha y al contrario.


     PERCUSIÓN CON EL CUERPO.
    Para finalizar realizamos ejercicios de percusión con el cuerpo.
           1. Palmada.
           3. Palmada- pecho con la derecha- pecho con la izquierda.
           5. Palmada- pecho con la derecha- pecho con la izquierda- muslo con la derecha- muslo con la izquierda.
           7. Palmada- pecho con la derecha- pecho con la izquierda- muslo con la derecha- muslo con la izquierda- culito con la derecha- culito con la izquierda.
           9. Palmada- pecho con la derecha- pecho con la izquierda- muslo con la derecha- muslo con la izquierda- culito con la derecha- culito con la izquierda- pie derecho- pie izquierdo.





    Después realizamos secuencias numéricas:
    • 1, 1, 3, 3, 5, 5, 7, 7, 9, 9, 
    • 3, 3, 5, 7, 1 UAM, 3, 3, 5, RELAXING CUP.

    Con esta clase trabajamos la memoria, la coordinación, la concentración y la percusión.








    1 de Octubre: Números y estructura de una canción.

    EL NUMERO AUREO.

    El número áureo es la relación o proporción que guardan entre sí dos segmentos de rectas. Fue descubierto en la antigüedad, y puede encontrarse no solo en figuras geométricas, sino también en la naturaleza. A menudo se le atribuye un carácter estético especial a los objetos que contienen este número, y es posible encontrar esta relación en diversas obras de la arquitectura u el arte. Por ejemplo, el Hombre de Vitruvio, dibujado por Leonardo Da Vinci y considerado un ideal de belleza, está proporcionado según el número áureo. ¿Cuál es el origen y la importancia de este valor matemático?
    Hay números que han intrigado a la humanidad desde hace siglos. Valores como PI -la razón matemática entre la longitud de una circunferencia y su diámetro- o e -la base de los logaritmos naturales-, suelen aparecer como resultado de las más dispares ecuaciones o en las proporciones de diferentes objetos naturales. El número áureo -a menudo llamado número dorado, razón áurea, razón dorada, media áurea, proporción áurea o divina proporción- también posee muchas propiedades interesantes y aparece, escondido y enigmático, en los sitios más dispares.
    El primero en hacer un estudio formal sobre el número áureo fue Euclides, unos tres siglos antes de Cristo, en su obra Los Elementos. Euclides definió su valor diciendo que "una línea recta está dividida en el extremo y su proporcional cuando la línea entera es al segmento mayor como el mayor es al menor." En otras palabras, dos números positivos a y b están en razón áurea si y sólo si (a+b) / a = a / b. El valor de esta relación es un número que, como también demostró Euclides, no puede ser descrito como la razón de dos números enteros (es decir, es irracional y posee infinitos decimales) cuyo su valor aproximado es 1,6180339887498...

    Casi 2000 años más tarde, en 1525, Alberto Durero publicó su “Instrucción sobre la medida con regla y compás de figuras planas y sólidas”, en la que describe cómo trazar con regla y compás la espiral basada en la sección áurea, la misma que hoy conocemos como “espiral de Durero”. Unas décadas después, el astrónomo Johannes Kepler desarrolló su modelo del Sistema Solar, explicado en Mysterium Cosmographicum (El Misterio Cósmico). Para tener una idea de la importancia que tenía este número para Kepler, basta con citar un pasaje de esa obra: “La geometría tiene dos grandes tesoros: uno es el teorema de Pitágoras; el otro, la división de una línea entre el extremo y su proporcional. El primero lo podemos comparar a una medida de oro; el segundo lo debemos denominar una joya preciosa”. Es posible que el primero en utilizar el adjetivo áureo, dorado, o de oro, para referirse a este número haya sido el matemático alemán Martin Ohm (hermano del físico Georg Simon Ohm), en 1835. En efecto, en la segunda edición de 1835 de su libro “Die Reine Elementar Matematik” (Las Matemáticas Puras Elementales), Ohm escribe en una nota al pie: “Uno también acostumbra llamar a esta división de una línea arbitraria en dos partes como éstas la sección dorada." El hecho de que no se incluyera esta anotación en su primera edición es un indicio firme de que el término pudo ganar popularidad aproximadamente en el año 1830.

    SERIE DE FIBONACCI.
    El número áureo también está “emparentado” con la serie de Fibonacci. Si llamamos Fn al enésimo número de Fibonacci y Fn+1 al siguiente, podemos ver que a medida que n se hace más grande, la razón entre Fn+1 y Fn oscila, siendo alternativamente menor y mayor que la razón áurea. Esto lo relaciona de una forma muy especial con la naturaleza, ya que como hemos visto antes, la serie de Fibonacci aparece continuamente en la estructura de los seres vivos. El número áureo, por ejemplo, relaciona la cantidad de abejas macho y abejas hembras que hay en una colmena, o la disposición de los pétalos de las flores. De hecho, el papel que juega el número áureo en la botánica es tan grande que se lo conoce como “Ley de Ludwig”. Quizás uno de los ejemplos más conocidos sea la relación que existe en la distancia entre las espiras del interior espiralado de los caracoles como el nautilus. En realidad, casi todas las espirales que aparecen en la naturaleza, como en el caso del girasol o las piñas de los pinos poseen esta relación áurea, ya que su número generalmente es un término de la sucesión de Fibonacci.

    Tras hablar del Numero Aureo y de la Serie de Fibonacci, se nos plantean algunas dudas como:
    • ¿Porque el año tiene 12 meses, los meses 30,31 o 28 días y la semana 7 días?
    • ¿Desde cuando 1 hora tiene 60 minutos?
    Después de todo esto quedamos en que el numero de la clase es el 8. Ya que casi toda la música (blues, rock and roll, jazz...) tiene 8 compases.

    ESTRUCTURA DE UNA CANCIÓN.
    Toda canción tendrá una introducción de 8 compases o de 4.

    Para poder ver el pulso de una canción lo mejor es andar al ritmo de la música. De esta manera es mas fácil poder llevar el pulso.

    Para poder analizar una canción comenzamos escuchando a Sinatra en la canción "Somewhere beyond the sea" y vemos su forma.


     
    1. Introducción.
    2. 1º estrofa.
    3. 2º estrofa.
    4. 3º estrofa...
    Después lo hacemos con "New York" de Sinatra.

    1. Introducción: 4 pulsos.
    2. 1º estrofa: 8 pulsos.
    3. 2º estrofa: 8 pulsos.
    4. 3º estrofa: 8 pulsos
    5. ...
    ¿A QUE VELOCIDAD VA UNA CANCIÓN?
    Se puede utilizar un metrónomo para saber a que velocidad va una canción. 
    Otra posibilidad es contarlo nosotros mismo. Para ello debemos contar 15 compases y ver el tiempo que hemos tardado, es decir, cuando comienza la canción comenzamos a contar los 15 pulsos y cuando los hayamos contados vemos el tiempo que ha transcurrido.

    Para la canción de "New York", hemos tardado en contar 15 compases de 4 pulsos cada uno, 30 segundos. Una vez contados los segundos debemos realizar una sencilla cuenta.
    3600 / 32'78 = 109'82 pulsos por minuto.

    También existe un programa para ordenadores que introduciendo la canción la analiza y te dice exactamente a que velocidad va esta. "VIRTUAL DJ"

    30 de Septiembre: CHACHACHÁ.

    CHACHACHÁ

    Chachachá es un ritmo originario de Cuba creado a partir del danzón y el son montuno por el compositor y violinista habanero Enrique Jorrín en 1953

    Los danzones eran interpretados tan solo por instrumentos, mientras que Jorrín le introdujo las voces de los músicos cantando a coro para darle más potencia. Este estilo gustó a los que bailaban, que ahora podían improvisar más e inventaron nuevas figuras. Durante sus primeros años como compositor, Jorrín sólo componía danzones, respetando sus cánones musicales, pero poco a poco fue modificando algunas de sus partes. Estos fragmentos modificados gustaron tanto al público que decidió independizarlos del danzón hasta llegar a lo que él llamó cha-cha-cha.


    Comenzamos la clase trabajando los pasos básicos del "Chachachá" en circulo, según las indicaciones del profesor.
    1. Andamos hacia delante y hacia detrás.
    2. Andamos hacia la derecha y hacia la izquierda.
    3. Hacemos un giro a la derecha y luego uno a la izquierda.

    Después nos colocamos por parejas, uno en frente de otro y repetimos los movimientos.
    1. Realizamos un "traspiés". 1-2-3- traspiés.
    2. Andamos hacia delante y hacia atrás.
    3. Andamos de un lado a otro.
    Para finalizar nos colocamos en dos circulo, uno dentro de otro mirándose y realizamos los distintos movimientos.
    1. Delante-atrás.
    2. Derecha-izquierda.
    3. Giro derecha-giro izquierda.



    24 de Septiembre: Escritura de pasos de baile.

    Comenzamos dibujando los símbolos para después poder dibujar los pasos de baile en las siguientes sesiones.

    LOS PIES.


    LOS BRAZOS.
    El profesor nos dio una pautas para ayudarnos a bailar.
    • Nunca debemos coger las manos, ya que en los giros deben de estar sueltas para poder girar y moverse libremente.
    • Las parejas deben estar a distancia de "guantazo", es decir lo suficientemete separados que si uno de ellos quiere darle un guantazo le daría en la cara.

    Trabajamos los pasos de baile por parejas.
    1. Buenas tardes: 
    2. Darse las manos:

    23 de Septiembre: SWING y SALSA.

    EL SWING
    La música swing, también conocida como swing jazz o simplemente swing, es un estilo de jazz que se originó en Estados Unidos hacia finales de los años 1920, convirtiéndose en uno de los géneros musicales más populares y exitosos del país durante los años 1930. El swing utiliza instrumentos habituales en el jazz, como una sección rítmica formada por piano, contrabajo y batería, metales como trompetas y trombones, vientos como saxofones y clarinetes y, muy ocasionalmente, instrumentos de cuerda como violín o guitarra. El swing utiliza preferentemente tempos medios y rápidos, generaliza los riffs melódicos y libera el rol del batería de ciertas restricciones que había tenido hasta entonces. El conjunto característico del estilo fue la big band, adquiriendo además cada vez mayor importancia el papel del solista. Destacan en este estilo músicos como Fletcher Henderson, Benny Goodman, Duke Ellington o Count Basie.
    La denominación de este estilo como "Swing" se consolida hacia 1935, al producirse una identificación del mismo con uno de los elementos más característicos en la interpretación jazzística que, desde mediada la década de 1920, se conocía precisamente como swing.

    SUS ORIGENES
    El Swing aparece, como estilo, en el momento en que se plantea la crisis económica de 1929. El Mainstream (Estilo Nueva York), necesitado de una subsistencia cada vez más costosa, se comercializa, recibiendo influencias muy fuertes de tradición europea y del music hall.
    La crítica blanca comienza a valorar los aspectos más asimilables del jazz, buscando producir una imagen conforme a la normalidad musical occidental. Lo que estaba en juego en este proceso de dominación económica del jazz por los intereses comerciales blancos (además, y quizás por ello, de los beneficios que producía), era la garantía de perpetuación de los mismos mediante toda clase de presiones sobre el desarrollo de la música: Lanzamiento de modas, de músicos con carisma, de estilos, de bailes... Se trata, en definitiva, de una cada vez más profunda colonización, pareja a la popularización del jazz (que comienza a trascender fronteras) y que llevó a su aceptación por la burguesía blanca estadounidense, en sus versiones más comerciales, vendidas por la prensa incluso con la concesión de títulos tan ficticios como el de Rey del jazz, otorgado a Benny Goodman.

    EL SWING EUROPEO
    Por primera vez en la historia, el jazz trasciende fronteras y se produce una fuerte expansión hacia sociedades exteriores. Así, la crisis de 1929 expulsa a un buen número de jazzmen hacia la meca europea, receptiva y vigorosa, y comienzan a crearse formas de Swing autóctonas.
    La escuela principal, como era de esperar, se desarrolla en París, con un dominio casi abusivo del Hot Club de Francia. Se trata de un swing elaborado con un lenguaje absolutamente hot, cuyo principal representante es el grupo-estrella del Hot Club: El cuarteto del guitarrista gitano francés (aunque nacido en Bélgica), Django Reinhardt, creador de un estilo personal e inconfundible que aún hoy en día tiene influencia en buen número de instrumentistas modernos, y de su violinista, Stephane Grapelli. La escuela creada por Reinhardt se denominó jazz manouche.


    EJERCICIO:
    Nos colocamos en circulo en comenzamos a realizar los pasos básicos del swing, según nos iba diciendo el profesor.
    Una vez aprendidos nos colocamos por parejas y comenzamos a ensayar. Para complicar un poco mas las cosas el profesor nos puso música para bailar al ritmo de esta.




    LA SALSA
    La salsa no es un baile. Es un tipo de Son moderno de América Latina, el cual se baila en parejas o en grupo. La salsa es un renombrado de Son por gente de habla hispana del Caribe. La salsa mezcla influencias de baile africanas y europeas mediante la fusión de los siguientes bailes: son, son montuno, rumba y guaracha.

    Movimientos: El paso básico de todos los estilos de salsa involucra tres cambios de peso, llamados pasos, cada cuatro medidas de tiempo. El tiempo sin un cambio de peso puede contener un zapateo, kick (parece una pequeña patada a una pelota, pero dada al aire) o pausa. Uno de los pasos es un 'paso largo' que es un poco más largo que los otros dos. Los diferentes estilos de salsa se diferencian frecuentemente por la dirección y el tiempo del paso largo («en 1» o «en 2», por ejemplo). Después de seis cambios de peso en ocho tiempos, el ciclo del paso básico está completo. Mientras se baila, el paso básico puede ser modificado significativamente como parte de la improvisación y estilo de los bailarines.
    Mientras un bailarín de salsa 'cambia su peso', la parte superior del cuerpo permanece nivelada y casi no es afectada. Las caderas quedan atrapadas en la mitad y terminan moviéndose considerablemente: es el famoso movimiento de caderas cubano.
    Los brazos son usados para comunicar el liderazgo, ya sea en posición abierta o cerrada. En la posición abierta, los bailarines se toman por una o ambas manos, especialmente para movimientos que envuelven giros, poner los brazos detrás de la espalda o moverse uno alrededor del otro. En la posición cerrada, el líder pone la mano derecha en la espalda del seguidor, mientras el seguidor pone la mano izquierda sobre el hombro del líder. También se utilizan para hacer adornos y para evitar que entorpezcan el baile.
    En algunos estilos, los bailarines permanecen en un segmento, es decir, alineados cambiando lugares; mientras en otros, los bailarines giran uno alrededor del otro.

    Tiempo: La salsa se baila en compás de 4/4. Los pasos básicos se extienden, no obstante, sobre dos compases, por lo que los bailarines cuentan no de a cuatro, sino de a ocho.


    EJERCICIO: 
    Nos colocamos en circulo en comenzamos a realizar los pasos básicos del swing, según nos iba diciendo el profesor.
    Una vez aprendidos nos colocamos por parejas y comenzamos a ensayar. Para complicar un poco mas las cosas el profesor nos puso música para bailar al ritmo de esta.

    16 de Septiembre: Espejo y volante.

    En nuestra primera sesión trabajamos con el espejo y el volante.

    1. EL ESPEJO:
    El profesor nos pidió que nos colocásemos por parejas uno en frente de otro y que realzásemos distintos movimientos en espejo.
    Uno debía comenzar haciendo gestos o movimientos y el otro debía repetirlos para colocarse en la misma postura que el otro. Así sucesivamente fuimos cambiando de compañeros y complicando los ejercicios.


    2. EL VOLANTE: 
    Por parejas nos cogimos de los hombros como si fuese un volante, es decir, nos cogimos por los hombros poniendo los brazos fuertes para evitar movimientos que rompiese la posición inicial.
    Uno de la pareja comenzó dirigiendo al compañero con pequeños toques en los hombros para dirigirle hacia donde debía moverse. Después cambiamos de compañeros para realizarlo de nuevo.

    Este ejercicio lo realizamos para darnos cuenta de que a la hora de bailar es muy importante mantener "armados" los brazos, es decir, que los brazos deben estar fuertes para favorecer el movimiento y el mandato del bailarín.

    Para finalizar la clase hicimos un juego: SI y NO.
    En este juego se trata de mantener una conversión en la cual el NO significa SI, y el SI significa NO.

    MUSICA PARA LOS + PEQUES Y LOS NO TANTO

    INTRODUCCIÓN:
    Este blog esta creado para futuros maestros de infantil. En el encontrareis herramientas útiles para vuestras sesiones en el aula junto a los mas peques o simplemente para pasar un buen rato.


    SESIONES:
    • 16 de Septiembre de 2013: Espejo y volante.
    • 23 de Septiembre de 2013: SWING Y SALSA.
    • 24 de Septiembre de 2013: Escritura de pasos de baile.
    • 30 de Septiembre de 2013: CHACHACHÁ.
    • 1 de Octubre de 2013: Números y estructura de una canción.
    • 7 de Octubre de 2013: Ejercicios de pies y manos.
    • 21 de Octubre de 2013: Danzas.
    •  28 de Octubre de 2013: Mimo y relajacion.
    • 4 de Noviembre de 2013: Danza de Corelli I.
    • 5 de Noviembre: Danza de Corelli II.
    • 12 de Noviembre: Cambio de Foco.
    • 18 de Noviembre: TANGO I.
    • 19 de Noviembre: TANGO II. 
    • 26 de Noviembre: Tipos de compases y VALS.
    • 2 de Diciembre: Repaso de danzas y bailes I.
    • 3 de Diciembre: Repaso de danzas y bailes II.
    • 9 de Diciembre: LINDY HOPS.
    • 10 de Diciembre: Coreografía "GIMME HOPE".
    • 16 de Diciembre: Anacrusa.
    • 13 de Enero: Coreografía "PAJARITOS A BAILAR".